La evolución del contrato discográfico en un mercado digital

La industria de la música está en constante cambio desde la aparición de Napster, y con la evolución de la tecnología alrededor de los formatos de consumo.

Sin embargo el rápido acontecer de estos cambios, no se ve reflejado en los contratos de forma inmediata, y en muchos casos es difícil para un artista hacer un seguimiento, y mucho menos saber qué tipo de contrato discográfico firmar o cuándo.

Para desentrañar este tema, la Iniciativa de Leyes de Entretenimiento (ELI) de la Academia de la Grabación, un programa destinado a impulsar la discusión y el debate sobre asuntos legales y su impacto en la industria de la música y la comunidad creativa, llevó a cabo un evento de educación profesional titulado «La evolución del contrato discográfico» en noviembre pasado.

El panel, patrocinado por NYU Steinhardt Music Business Program y First Horizon Bank, fue moderado por Sandra Craswshaw-Sparks, socia de Proskauer Rose LLP y presidenta del Entertainment, Copyright & Media Practice Group. Los abogados participantes incluyeron a Shardé Simpson, Vicepresidente de Operaciones, Dream Chaser Records y socio fundador de Simpson and Reed PLLC; Elliot Groffman de Carroll Guido Groffman Cohen Bar & Karalian; y Ben Landry, vicepresidente sénior de asuntos comerciales y legales de Atlantic Records.

En representación tanto del lado del artista (Groffman) como del lado del sello en los acuerdos discográficos (Landry y Simpson, que trabaja tanto en el lado del artista como en el del sello), la animada discusión arrojó numerosas conclusiones clave sobre los entresijos de los contratos.

Los tratos comerciales de Kanye West incluso entraron en juego de una manera positiva. Un tema a tener en cuenta: cuando se trata de que un artista firme un contrato de grabación, el corto plazo es el rey. «Solo hay una cláusula que cuenta cuando estás representando a un nuevo artista, y es la duración del término. Y nos gusta que sea breve», dice Groffman.

Pero como él advierte: «Que sea corto tampoco significa que sea bueno». En el pasado, los artistas se comprometían a acuerdos de 10 álbumes; ahora dos o tres discos es la norma deseada.

Desde el punto de vista del sello, Landry de Atlantic está de acuerdo y agrega: «Hemos visto que se ha devuelto más influencia a los artistas. Creo que eso es el resultado de la eliminación de muchas barreras de entrada al mercado. Es más fácil lanzar música en estos días que tal vez lo haya sido antes».

Si un artista tiene éxito, parece que debería obtener más dinero, más control creativo y más beneficios. En ese caso, estar encerrado en un contrato a largo plazo firmado puede ser perjudicial.

Renegociar, renegociar, renegociar
Ye trabajó en los primeros años de su carrera y en sus contratos de una manera que permitió el crecimiento y la renegociación: como Kanye West, «después de sus primeros álbumes, renegoció su contrato y eso se convirtió en una división de ganancias», Landry, quien estudió el contrato del ahora magnate, explica.

«Más adelante en su carrera, se convirtió en un acuerdo de distribución en el que obtuvo el 100% de las ganancias», continúa. «Y obtuvo reversiones; derechos de propiedad de algunos de sus álbumes. Eso es una especie de ciclo de vida. Si no puedes venir y obtener el trato que deseas desde el principio, y encuentras el éxito, esperamos y te damos la bienvenida felizmente en renegociaciones».

Por supuesto, el éxito sostenido es la clave de esas renegociaciones. Y los términos del acuerdo se ven de manera diferente a medida que cambia el estado de la estrella. «En cuanto a la tasa de regalías total, a medida que los artistas crecen, la tasa de regalías sí importa. Cuando firman inicialmente como artistas jóvenes, no creo que les importe tanto. Pero a medida que crecen, esa tasa de regalías hace una gran diferencia en términos de ingresos, especialmente cuando empiezan a ser multimillonarios», dice Simpson.

Distribución en la mira
Los artistas deberían considerar un contrato de distribución en lugar de un contrato discográfico, agrega. Tal como lo expone, firmar un contrato discográfico «tradicional» con un sello importante ofrece la ventaja de ser parte de la «máquina» y su infraestructura de marketing, publicidad, un equipo de promoción de radio y más.

A veces, sin embargo, los tratos tradicionales de la vieja escuela ocurren porque el artista busca embolsillar una gran cantidad de dinero en el momento, en lugar de mirar a largo plazo. «Los sellos pueden funcionar como una especie de banco; proporcionar esos adelantos», dice Simpson, «aunque en última instancia, si tuviera que elegir entre una tasa de regalías total o una división de ganancias, les diría a los artistas que definitivamente obtengan una ganancia. Si puede llegar a un acuerdo como ese, debería hacerlo. Y esa suele ser una situación de distribución «.

Los acuerdos de distribución a menudo son una posición beneficiosa, «especialmente si tiene una empresa de distribución que es realmente buena en marketing», dice Simpson. «Y tal vez no necesites que el anticipo esté vinculado a nada más. Creo que en esas situaciones, podría ser beneficioso para los artistas tomarlo».

Cuidado con los contratos con casas productoras
Es tentador para un creativo estar de acuerdo cuando alguien dice que puede manejar todo el negocio en torno a asegurar un trato y luego proteger/abogar por el artista en el sello principal. «A menudo, un artista nuevo tendrá un mánager o una persona cercana a él para firmar un ‘acuerdo de producción’, que es una especie de acuerdo de sello improvisado», dice, y eso puede bloquear financieramente al artista.

Los acuerdos de producción «pueden causar problemas por varias razones», cree Landry. «Como artistas que comienzan, no tienen mucha influencia y están muy, muy ansiosos por hacer que las cosas funcionen».

Y un acuerdo de producción puede acelerar ese proceso, pero ¿entonces? «Creo que a los artistas a veces les gustan estos acuerdos, y luego se convierten en estrellas, y comienzan a mirar con recelo sus acuerdos de producción».

Si la banda o el artista no están contentos con la cantidad de dinero que ganan con un sello, «imagina tener que dividirlo con una productora», dice Landry. «Tal vez para entonces el artista esté trabajando directamente con el sello, así que es como, ‘¿Por qué le estoy pagando a esta persona la mitad de mi dinero?’».

Muchos acuerdos de producción, supone, se deben a la facilidad con la que casi cualquier persona puede «establecer la distribución y brindar servicios básicos de sello discográfico a un artista que comienza».

Eso no quiere decir que no haya acuerdos de producción mutuamente beneficiosos. «Podría haber una buena razón para firmar uno; podría ser que la persona fuera un productor o escritor que encontró a alguien, lo preparó y llegó a un acuerdo», agrega Groffman.

Trabaja tan duro como puedas y espera tanto como puedas antes de firmar cualquier contrato discográfico, dice Landry. «Creo que las grandes discográficas son extremadamente buenas para tomar un tres y pasar a 10. Creo que la magia a menudo es cero a tres», explica. Ese impulso que suele ocurrir con el artista y sus «amigos, managers y abogados realmente inteligentes y emprendedores que trabajan juntos para crear estos momentos y crear un momento».

“Por lo tanto, cuanto más tiempo puedas aguantar y obtener más influencia, por supuesto, más disqueras estarán interesadas. Es menos riesgo”, continúa Landry. En ese caso, las grandes pueden arriesgarse y hacer un trato más arriesgado (es decir, un trato de mayor dinero para el artista), ya que la «prueba de concepto» ya se ha establecido desde el lado creativo.

El apalancamiento es clave cuando se inicia una negociación inicial con un sello discográfico importante, concuerda Groffman. “Cuanto más espere antes de comprometerse con un sistema de sellos importantes, más poder de negociación tendrá el artista. No estoy diciendo que no haga tratos con los grandes, pero es importante tener armas bajo la manga».

Fuente: Industria Musical